Akiane Kramarik

Akiane Kramarik nasceu em Mount Morris, um conhecido bairro da cidade de Detroit, no estado de Illinois, no dia 9 de Julho de 1994, é uma criança prodígio, uma artista e poetisa americana. Akiane Kramarik é filha de mãe lituana e de pai norte-americano. Sua genealogia inclui poloneses, húngaros, eslovacos, russos, boêmios, chineses, franceses, dinamarqueses, judeus e germânicos. Segundo o Site Oficial da pequena artista, ela não freqüenta escolas, sendo ensinada em casa por professores particulares. É, inicialmente, uma autodidata em pintura artística, Akiane Kramarik começou a desenhar aos quatro anos de idade, pinta desde os seis e compõe poesias desde os seus sete anos. Seu primeiro auto-retrato foi vendido por dez mil dólares. Como ela mesma diz, sua arte é inspirada nas visões do céu, bem como em sua ligação com o Criador. Sua arte inclui paisagens, vida selvagem, retratos de pessoas. Aos dez anos, ela participou de uma entrevista do programa de TV norte-americano The Oprah Winfrey Show, e também apareceu na rede CNN.

Frank Stella

Frank Philip Stella, 12 de maio de 1936. É um dos artistas contemporâneos mais importantes e ecléticos dos Estados Unidos. Seu trabalho abrange pintura, objetos, arte gráfica e projetos arquitetônicos. Iniciou seus estudos artísticos na Phillips Academy e na Universidade de Princeton, vendo-se influenciado pelas obras de Noland, especialmente por seus quadros recortados que estavam pintados com cores planas ou bandas monocromáticas. Acabaram se conhecendo na exposição "Sixteen Americans" que organizou no MOMA em 1959. Ao renunciar ao expressionismo abstrato, Stella converte-se desde a década de 1960 num dos máximos representantes da abstração geométrica e construtivista que preludia a arte minimalista. Suas pinturas-relevo ocuparam um papel fundamental no desenvolvimento da vanguarda norte-americana. A partir de 1958, com seus Black Paintings, converte-se num dos máiores representantes da chamada nova abstração, antecedente direto do minimalismo. Foi um dos criadores e promotores do hard edge, e do desenvolvimento do shaped canvas ou pintura de marco recortado. Seus quadros-objetos e suas pinturas-relevo ocuparam um papel fundamental no desenvolvimento da neo-vanguarda norte-americana e internacional. Em 1960 apresenta sua primeira mostra individual na Galeria Leio Castelli de Nova York. Em 1962 exibe numa mostra coletiva no Whitney Museum de Nova York e em 1963 é nomeado artista residente em Dartmouth College (New Hampshire). Entre outras tantas exposições coletivas que se realizaram durante a década do 60, Stella participou em algumas das mais importantes, relacionadas com a nova abstração e a arte minimalista, como por exemplo, Toward a New Abstraction (Jewish Museum, NY, 1963) ou Systemic Painting (Guggenheim Museum, NY, 1966). Já em 1964 tinha participado da XXXII Bienal de Veneza e em 1965 da VIII Bienal de São Paulo com outros artistas norte-americanos. Também em 65, participa do Prêmio Internacional Torcuato Dei Tella, em Buenos Aires, com três de suas pinturas de marcos recortados. Em 1968 faz parte do IV Documenta em Kassel com as gravuras feitos em Gemini GEL junto ao maestro impressor Kenneth Tyler, com quem seguirá trabalhando até a atualidade. Em 1969 expõe no Metropolitan Museum of Art de Nova York. Em 2010, participa pela primeira vez com uma peca na SPArte, a convite da Almacen Galeria, apresentando um trabalho da serie Bali, Poera.

Alexander Calder

Alexander Calder, Lawton, Pensilvânia, 22 de julho de 1898 - New York, 11 de novembro de 1976, também conhecido por Sandy Calder, foi um escultor e artista plástico estadunidense famoso por desenvolver seus móbiles. Filho de escultora e pintor, nascido nos Estados Unidos da América, Alexander Calder quando criança fazia seus próprios brinquedos. Formou-se em engenharia e antes de se dedicar à escultura foi pintor e ilustrador. Em 1926 , após visitar a Grã-Bretanha, fixou-se em Paris, onde conheceu surrealistas, dadaístas e os componentes do grupo De Stijl. Data dessa época sua amizade com Joan Miro. Construiu um circo em miniatura, com animais de madeira e arame. Os seus “espetáculos” eram assistidos por artistas e intelectuais. Fez, também em arame, as suas primeiras esculturas: Josephine Baker (1926), Romulu and Remus (1928), Spring (1929). De 1931 datam as suas primeiras construções abstratas, nitidamente influenciadas por Mondrian. Os primeiros móbiles são de 1932. Em 1933 Calder voltou aos Estados Unidos. Em 1948 viajou à América do Sul e de novo em 1959. Nessa última ocasião, visitou o Brasil, onde expôs no Museu de Arte de São Paulo. Em 1950 foi à Escandinávia. Calder ocupa lugar especial entre os escultores modernos. Criador dos stabiles, sólidas esculturas fixas, e dos móbiles, placas e discos metálicos unidos entre si por fios que se agitam tocados pelo vento, assumindo as formas mais imprevistas – a sua arte, no dizer de Marcel Duchamp, “é a sublimação de uma árvore ao vento”. Calder foi o primeiro a explorar o movimento na escultura e um dos poucos artistas a criar uma nova forma – o mobile. Nos últimos anos mantinha um estúdio em Saché, perto de Tours e embora vivesse aí a maior parte do tempo, conservou sua fazenda de Roxbury, Connecticut, comprada em 1933, e que se tornara um verdadeiro repositório de trabalhos e objetos feitos por ele – desde os andirons espiralados da lareira rústica até às bandejas feitas com latas de azeite italiano.

Roy Lichtenstein

Roy Fox Lichtenstein, Nova Iorque, 27 de outubro de 1923 - Nova Iorque, 29 de setembro de 1997, foi um pintor estado-unidense identificado com a Pop Art. Na sua obra, procurou valorizar os cliches das histórias em quadradinhos como forma de arte, colocando-se dentro de um movimento que tentou criticar a cultura de massa. O seu interesse pelas histórias em quadradinhos (banda desenhada), como tema artístico, começou provavelmente com uma pintura do rato Mickey, que realizou em 1960 para os filhos. Nos seus quadros a óleo e tinta acrílica, ampliou as características da banda desenhada e dos anúncios comerciais, e reproduziu à mão, com fidelidade, os procedimentos gráficos. Empregou uma técnica pontilhista conhecida como Pontos Ben-Day para simular os pontos reticulados das histórias. Cores brilhantes, planas e limitadas, delineadas por um traço negro, contribuíam para o intenso impacto visual. Com essas obras, o artista pretendia oferecer uma reflexão sobre a linguagem e as formas artísticas. Os seus quadros, desvinculados do contexto de uma história, aparecem como imagens frias, intelectuais, símbolos ambíguos do mundo moderno. O resultado é a combinação de arte comercial e abstracção. Muitas ilustrações de Lichtenstein eram copiadas de artistas de histórias em quadrinhos como Jack Kirby e Russ Heath sem lhes dar créditos. Roy Fox Lichtenstein usava cores como: azul marinho, amarelo, vermelho e branco. Ele fazia contornos em preto, para realçar mais suas pinturas.

Eric Freeman

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Eric Freeman, Nova Iorque, 1970, nascido no Brooklyn vive e trabalha em Nova York. Suas pinturas são difusas e não ao contrário do próprio artista. Vai e volta e você vê bandas de cor turva. Aproxime-se e vê sua construção, sente a mão e a compaixão do artista. Mas as pinturas de Freeman nunca completamente entram em foco. Sua beleza vem da "mistura volátil do inefável e do físico", escreve Ross Bleckner, o artista minimalista que tem sido um amigo e mentor de Freeman desde que ele assumiu o pincel, em uma introdução ao catálogo para o próximo show de trabalho de Freeman na galeria Wetterling Bjorn em Estocolmo. "A beleza desses do seu trabalho está no escuro e no claro, é justamente a conciliação desses dois mundos." Imagine, uma xícara de chocolate quente em um café SoHo em um dia frio, Freeman é surpreendentemente auto-composto, um jovem artista à beira de um ponto de vista na carreira. Suas pinturas são recolhidas por pessoas como Kelly Klein e Byorum Stormy, e sua empresa é procurada por Calvin Klein e Colacello Bob. No entanto, Freeman é despretensioso, mesmo ligeiramente apologético, sobre o seu crescente sucesso. "Eu tenho a pintura a sério por 10 anos", diz ele. Reformulação da busca do século 19 para o sublime, Eric Freeman é marechal campo elétrico de cor e efeitos ópticos a serviço de uma paisagem abstrata. Do petróleo às cinco cores vivas e pinturas em lençóis, incluídos nesta mostra de obras sem títulos, de 2003, quatro são de 8 metros quadrados, e três desses expressam o horizonte distinto centrando orientação de uma paisagem com uma escuridão central divulgadas como se de entre finos lábios entreabertos. As pinturas metades superiores e inferiores parecem simétricos e parecem inchar fora horizontalmente a partir do suporte, expandindo-se por muitas vezes cores quentes e muitas por cores ácidas que resultam em barras finas de cor graduada e que suportam as bordas superiores e inferiores. O quarto, identificados pela galeria de codificação, 8628, sugerem algum parentesco distante com Rothko em uma grossa, queimando-band vermelho em todo o centro da pintura. Ela muda para azul escura-preta e desaparece com um leve, quase curvado azul. Se Freeman atinge a sensação de ilusão convincente modulando sua paleta através de gradações de luz e cor, estas obras estão na mão uma vez resolutamente-pintada e praticamente sem gesto expressivo. As superfícies em vez revelam o cuidado de acumulação de tinta na pintura em faixas regulares estabelecidos pelo pincel largo de Freeman como ele é arrastado, sem interrupção ao longo da largura da pintura, deixando as linhas paralelas da pintura a largura de um fio.

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"Eu não era uma sensação overnight. As pessoas querem reconhecimento imediato. Eles fazem parte da cena e querem ser quente muito rápido, o que é bom. Isso não é realmente muito minha coisa".

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Eric Freeman

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Mel Ramos

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Mel Ramos, nascido em Sacramento na Califórnia, em 24 de Julho de 1935, é um pintor figurativo norte-americano, cuja obra incorpora elementos do realismo e da arte abstrata. Ganhou sua maior popularidade em associação com o movimento Pop Art da década de 1960. Mel Ramos recebeu seu primeiro reconhecimento importante no início dos anos 1960, desde 1959 tem participado em mais de 120 shows do grupo. Junto com outros artistas como Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg e James Rosenquist, Ramos produziu obras de arte que celebra os aspectos da cultura popular como representado na mídia de massa. Suas pinturas foram mostradas nas exposições mais importantes da Pop Art, nos Estados Unidos e na Europa, e reproduzidas em livros, catálogos e revistas do mundo todo. A classificação de Ramos em qualquer escola de arte particular é contestada. Alguns observadores e críticos do cenário artístico classificam Mel Ramos como um artista pop. Entretanto, outros acreditam que a identificação dos trabalhos de Ramos dentro do movimento pop dos anos 1960 implica o dobrado satírico ou paródico o que não refletem no contexto mais amplo de suas pinturas, e não defendem as suas "paródias" como respeitosa, é apens uma carinhosa homenagem, uma celebração de imagens com significado somente pessoal. Ramos é representado pela Louis K. Meisel Gallery desde 1971.

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Brice Marden

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Brice Marden, nasceu no Brooklyn em Nova Iorque em 15 de Outubro de 1938, é um artista norte-americano, geralmente descrito como minimalista, embora o seu trabalho desafia qualquer categorização específica. Ele é representado pelo Matthew Marks Gallery. Participou do Florida Southern College, Lakeland de 1957 a 1958, recebendo seu BFA da Universidade de Boston, Escola de Belas Artes e Artes Aplicadas, em 1961. Marden ganhou seu MFA da Yale School of Art and Architecture (1963), onde estudou com Esteban Vicente, Alex Katz, Jon Schueler, Tworkov Jack, Pollack Reginald, Philip Pearlstein e Peterdi Gabor. Entre seus colegas foram os futuros artistas Richard Serra, Chuck Close, Nancy Graves, e Robert Mangold. Foi em Yale que Marden desenvolveu as estratégias formais que caracterizam os seus desenhos e pinturas nas décadas de prosseguir: a preocupação com formatos retangulares, e o uso repetido de uma paleta, silenciado extremamente individualizada. Em seus primeiros trabalhos da década de 1960 e 1970, ele usou meios simplificados, tipicamente telas monocromáticas isoladamente ou em série de painéis, dípticos e trípticos. Desse modo, ele conseguiu o que ele considerou altamente emocional e subjetivo em representações. Estes incluem a notável obra A Pintura Dylan, 1966, "1986" (agora na coleção de San Francisco Museum of Modern Art); 1969's Fave (o Jack S. Blanton Museum of Art, University of Texas at Austin) e Lethykos ( para Tonto), 1976 (The Museum of Modern Art, Nova Iorque). Marden se mudou para Nova York em 1963, onde entrou em contato com a obra de Jasper Johns, um artista com quem estudou em profundidade, enquanto trabalhava como guarda no Jewish Museum, Nova York. No verão seguinte, Marden viajou para Paris, onde começou a fazer comprimido de carvão e grade grafite de desenhos estampados e trabalhos gráficos. Marden sempre constituiu um corolário importante para suas pinturas, ele transferia idéias inflamado por estas primeiras obras, até mesmo em suas mais recentes pinturas e desenhos. Foi também em Paris que ele admirava a obra de Alberto Giacometti e Jean Fautrier, apesar de mestres como Francisco de Zurbarán, Diego Velázquez, Edouard Manet e informaram ainda a prática artística Marden. Em 1966, por sugestão de Dorothea Rockburne, Marden foi contratado por Robert Rauschenberg para trabalhar como seu assistente. Nesse mesmo ano teve a sua primeira exposição individual em Nova York, na Galeria Bykert, que exibiu o primeiro dos seus clássicos do petróleo e pinturas de cera.

Suas pinturas muitas vezes nascem de uma experiência particular, ou em reação a tempo de ter passado em um lugar específico. Em 1971, ele e sua esposa, Helen Harrington, visitou a ilha grega de Hidra, a que tenham retornado a cada ano desde então, e a luz e a paisagem têm influenciado fortemente sua obra (ver, por exemplo, as cinco pinturas Grove Group, 1972 -1980; Souvenir de Grèce obras sobre papel, 1974-1996). Em 1983, Marden e família viajou para a Tailândia, Sri Lanka e Índia, o artista ficou fascinado pela arte, paisagem e cultura da Ásia. Foi então incorporado diversos elementos dessas tradições em suas obras, tornando-os uma chave para o seu processo (os desenhos Shell, 1985-87). Uma visita em 1984, aos Mestres da exposição de caligrafia japonesa, Century-8 19, incentivado a dominar o formulário, uma influência predominante em seu trabalho recente que pode ser visto em sua aclamada série Cold Mountain, ambas, as pinturas e obras sobre papel, 1989-1991. Em 2000, Marden embarcou nas pinturas mais ambiciosas de sua carreira: O Jardim propícia de plano de imagem, o mais longo dos dois que medem 24 metros. É considerado na classificação entre os mais importantes pintores americanos do período contemporâneo. Escrito na revista The New Yorker, em 2006, o crítico Peter Schjeldahl o descreveu como "o pintor mais profundo, no resumo das últimas quatro décadas.

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Edward Hopper

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Edward Hopper, Nyack, 22 de Julho de 1882 - 15 de Maio de 1967, foi um pintor norte-americano mais lembrado por suas misteriosas representações realistas da solidão na contemporaneidade. Nascido no estado de Nova Iorque, Hopper estudou arte comercial e pintura na cidade de Nova Iorque. Um dos seus professores, o artista Robert Henri, encorajava seus estudantes a usar suas artes para "fazer um movimento no mundo". Henri, uma influência para Hopper, motivou estudantes a fazerem descrições realistas da vida urbana. Os estudantes de Henri, muitos dos quais desenvolveram-se artistas importantes, tornaram-se conhecidos como Escola de Ashcan de arte norte-americana. Ao completar sua educação formal, Hopper fez três viagens pela Europa para estudar a cena emergente de arte européia, mas diferente de muitos de seus contemporâneos que imitavam as experiências abstratas do cubismo, o idealismo dos pintores realistas ressonou com Hopper. Ele logo projetou os reflexos da influência realista.
Enquanto trabalhou por vários anos como artista comercial, Hopper continuou pintando. Em 1925 ele produziu Casa ao Lado da Ferrovia, um trabalho clássico que marcou sua maturidade artística. A obra é a primeira de uma série da cena totalmente urbana e rural de linhas finas e formas largas, feita com uma iluminação incomum para capturar a solidão que marca sua obra. Ele trouxe seu tema das características comuns da vida norte-americana, estações de gasolina, hotéis, ferrovia, ou uma rua vazia. Hopper continuou pintando na sua velhice, dividindo seu tempo entre a Cidade de Nova Iorque e Truro, Massachusetts. Ele morreu em 1967, no seu estúdio próximo ao Washington Square Park, na Cidade de Nova Iorque. Sua esposa, a pintora Josephine Nivison, que morreu dez anos depois que Hopper, doou seu trabalho ao Whitney Museum of American Art. Outros trabalhos importantes de Hopper estão no Museu de Arte Moderna de Nova Iorque, no The Des Moines Art Center, e no Instituto de Arte de Chicago.
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Jackson Pollock

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Paul Jackson Pollock nasceu em Cody, no estado de Wyoming, 28 de Janeiro de 1912 - 11 de Agosto de 1956, foi um pintor dos Estados Unidos da América e referência no movimento do expressionismo abstrato. Começou seus estudos em Los Angeles e depois mudou-se para New York. Desenvolveu uma técnica de pintura, criada por Max Ernst, o 'dripping' - o gotejamento, na qual respingava a tinta sobre suas imensas telas; os pingos escorriam formando traços harmoniosos e pareciam entrelaçar-se na superfície da tela. O quadro "UM" é um exemplo dessa técnica. Pintava com a tela colocada no chão para sentir-se dentro do quadro. Pollock parte do zero, do pingo de tinta que deixa cair na tela elabora uma obra de arte. Além de deixar de lado o cavalete, Pollock também não mais usou pincéis. A arte de Pollock combina a simplicidade com a pintura pura e suas obras de maiores dimensões possuem características monumentais. Com Pollock, há o chamado action painting - o aouge da pintura de ação. A tensão ético-religiosa por ele vivida o impele aos pintores da Revolução mexicana. Sua esfera da arte é o inconsciente: seus sígnos são um prolongamento do seu interior. Apesar de ter seu trabalho reconhecido e com exposições por vários países do mundo, Pollock nunca saiu dos Estados Unidos. Morreu em um acidente de carro em 11 de Agosto de 1956, às 10 da manhã.

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"A pintura é uma autodescoberta. Todo bom artista pinta o que ele é."

Jackson Pollock

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Barbara Kruger

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Barbara Kruger, 1945, é uma artista conceitual americana representada por Sprüth Magers Berlim, Londres. Kruger nasceu em Newark, Nova Jersey, em 1964 foi para a Universidade de Syracuse. Depois de um ano em Siracusa, ela se mudou para Nova York, onde começou a atender a Parsons School of Design. Ela estudou com Diane Arbus e Israel Marvin, que, como designer gráfico e diretor de arte da revista Harper's Bazaar em 1960, introduziu Kruger para fotógrafos e moda / revista sub-culturas. Depois de um ano na Parsons, Kruger deixou a escola e começou a trabalhar na revista Mademoiselle como uma entrada de nível de design, tornando-projetista-chefe, dentro de um ano. Durante os anos 1960 e início de 1970 ela também desenhou capas de livros de textos políticos e tornou-se cada vez mais interessadas em poesia escrita e participou regularmente das leituras. De 1976 a 1980 Kruger viveu basicamente de ensino em Berkeley, Califórnia, bem como fazendo o trabalho de design e refletindo sobre sua arte. Nos anos 1980 ela se tornou conhecida por seu trabalho de arte que incorpora a experiência em design gráfico e edição de imagens, com frases curtas diretas. Grande parte da obra gráfica de Kruger, consiste em preto-e-branco com legendas sobrepostas fixado em branco em vermelho com fonte "Futura Bold". As frases incluídas no seu trabalho geralmente são declarativas, e fazem uso comum de pronomes, como "você", "eu", "nós" e "eles". A justaposição de imagens de Kruger, com texto contendo críticas ao sexismo e à circulação de energia dentro das culturas é um tema recorrente na obra. No texto em seu trabalho de 1980 inclui frases como: "O seu conforto é o meu silêncio" (1981), "você investe na divindade da obra-prima" (1982), e "eu compro, logo existo" (1987). Em 1980 teve sua primeira exposição individual na P.S., Long Island City, Nova York. Em 1987, ela aderiu à então dominante galeria de arte contemporânea de Mary Boone, e teve oito solo mostra que desde então. Em 2005, Kruger foi homenageada durante a 51.ª Bienal de Veneza com o "Leão de Ouro" para o Lifetime Achievement. Kruger é atualmente professora na Universidade da Califórnia em Los Angeles. Em 2007, Kruger foi uma dos muitos artistas para fazer parte da Bienal da Coréia do Sul "Incheon Mulheres Artistas ", em Seul. Isso marcou a Coreia do Sul com a primeira mulher na bienal. Imagens e as palavras foram exibidas em ambas as galerias e espaços públicos, bem como quadros, fotografias emolduradas, cartazes, cartões postais, camisetas, sinalização eletrônica, outdoors e também em uma plataforma de estação de trêm em Estrasburgo, França. Durante a última década Kruger criou instalações de vídeo, cinema, áudio e projeção. Envolvendo o espectador com as seduções do discurso direto, seu trabalho é consistentemente sobre as bondades e brutalidades da vida social, sobre como tratamos um ao outro.
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"Eu trabalho com imagens e palavras, porque elas têm a capacidade de determinar quem somos e quem não somos."

Barbara Kruger

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Chris Martin

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Chris Martin, 1954, é um artista plástico estadunidense, mora no Brooklyn. Martin nasceu em Washington. Faz pinturas abstratas, e utiliza principalmente elementos da colagem que fazem referência A Nova Era e imagens da natureza. Ele é influenciado por artistas como Paul Feeley, Yayoi Kusama, Alfred Jensen e outros que também estão preocupados com as qualidades formais da pintura.

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Francesca DiMattio

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Francesca DiMattio, nascida a 1981 na cidade de Nova Iorque, é uma jovem artista plástica pintora estadunidense. Bacharelado em Belas Artes em 2003 pela Cooper Union, Nova Iorque e em 2005 Master of Fine Arts, Universidade de Columbia, Nova York.

Seu trabalho tem objetivo como meio de reestruturar o conceito do espaço, utilizando a pintura como um trampolim para a invenção. Edifícios do interior e descidas em uma miríade de perspectiva confusão, grelha-como padrões de tijolos e azulejos, arcos decorativos, escadas etc, condição se tornar pontos de partida para pictórico contrastes e expressiva marca de decisões. Ocupação humana e médias dimensões da criação de uma estonteante sensação de ambiente físico. Referências históricas - de pop, art nouveau, e op. art - As pinturas vêm alargar o ecletismo pós-moderno para o reino do surreal.

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Andy Warhol

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Andy Warhol foi registrado Andrew Warhola, Pittsburgh 6 de Agosto de 1928 - Nova Iorque, 22 de Fevereiro de 1987, foi um pintor e cineast norte-americano, bem como uma figura maior do movimento de Pop Art. Registrado como Andrew Warhola, era filho de pais originários da Eslováquia que migraram para os Estados Unidos durante a Primeira Grande Guerra para seu pai evitar ser recrutado pelo exército austro-húngaro.
Aos 17 anos, em 1945, entrou no Instituto de Tecnologia de Carnegie, em Pittsburgh, hoje Universidade Carnegie Mellon e se graduou em design. Logo após mudou-se para Nova Iorque e começou a trabalhar como ilustrador de importantes revistas, como Vogue, Harper's Bazaar e The New Yorker, além de fazer anúncios publicitários e displays para vitrines de lojas. Começa aí uma carreira de sucesso como artista gráfico ganhando diversos prêmios como diretor de arte do Art Director's Club e do The American Institute of Graphic Arts.
Fez a sua primeira mostra individual em 1952, na Hugo Galley onde exibe quinze desenhos baseados na obra de Truman Capote. Esta série de trabalhos é mostrada em diversos lugares durante os anos 50, incluindo o MOMA, Museu de Arte Moderna, em 1956. Passa a assinar Warhol. Os anos 60 marcam uma guinada na sua carreira de artista plástico e passa a se utilizar dos motivos e conceitos da publicidade em suas obras, com o uso de cores fortes e brilhantes e tintas acrílicas. Reinventa a Pop Art, com a reprodução mecânica e seus múltiplos serigráficos são temas do cotidiano e artigos de consumo, como as reproduções das latas de sopas Campbell e a garrafa de Coca-Cola, além de rostos de figuras conhecidas como Marilyn Monroe, Liz Taylor, Elvis Presley, Che Guevara e símbolos icônicos da história da arte, como Monalisa. Estes temas eram reproduzidos serialmente com variações de cores. Além das serigrafias Warhol também se utilizava de outras técnicas, como a colagem e o uso de materiais descartáveis, não usuais em obras de arte.
Em 1968, Valerie Solanis, fundadora e única membro da SCUM (Society for Cutting Up Men - Sociedade para castrar homens) invade o estúdio de Warhol e o fere com um tiro, mas o ataque não é fatal e Warhol se recupera, depois de se submeter a uma cirurgia que durou cinco horas.

Em 1987 ele foi operado à vesícula biliar. A operação correu bem mas Andy Warhol morreu no dia seguinte. Ele era célebre há 35 anos.

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"No futuro, toda a gente será célebre durante quinze minutos"

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Andy Warhol

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Ernest Lawson

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Ernest Lawson, 22 de março de 1873 - 18 de dezembro de 1939, foi um pintor canadense-americano e membro de "O Oito", um grupo de artistas que incluía o grupo de líderes Robert Henri, Everett Shinn, John Sloan, Arthur B. Davies, Maurice Prendergast, George Luks, e William J. Glackens. Embora Lawson principalmente pintado paisagens, também fez algumas cenas realistas urbanas que foram mostradas na Exposição "Os Oito" de 1908. Suas pinturas e estilo é fortemente influenciado pelo impressionismo, especialmente o estilo de John Henry Twachtman, Alfred Sisley, e J. Alden Weir. Embora considerado um impressionista, Lawson's trabalha estilisticamente quedas entre impressionismo e realismo. Ele se tornou associado com Henri do círculo dos revoltosos, e foi incluída em 1908 o marco independente Oito A exposição de protesto organizado para o sistema de júri da Academia Nacional de Design anuários, embora também se envolveu com a Academia e mostrou toda sua vida ali.

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Kenneth Noland

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Kenneth Noland, Asherville, Carolina do Norte, 10 de Abril de 1924, é um pintor norte-americano. Completou os seus estudos com o escultor Ossip Zadkine. A partir de 1959, desenvolveu um estilo próprio baseado na cor e na simplicidade geométrica. Pintou quadros de formato grande, onde desenhou bandas e cores, círculos, rombos, etc., pintados com um rolo de maneira a limitar a personalização da pintura, em que deixa intacta grande parte da tela.

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"Houve sempre um jogo entre o real, simetria da imagem forma (quadrado, horizontal, diamante, etc...) e à simetria de layout, que abre as formas representadas para o uso de cores - para harmonizar, em um som ou forma expressiva."

Kenneth Noland

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