Anna Kostenko nasceu em 1975 em Kiev, na Ucrânia, radicada em Cracóvia, na Polónia. Ela se formou na Academia de Belas Artes de Cracóvia, onde estudou pintura 1993-1998. Ela fez três exposições de obras de arte em Jorgensen e criou muitas belas pinturas desde o seu lançamento em 1999. Sua fascinação com as diferentes culturas levou a extensas viagens que inspiram seu trabalho, que tem sido demonstrado em vários países, incluindo a Polónia, França, Alemanha, Irlanda e Espanha. Quando Anna Kostenko chegou a Cracóvia em 1991, ingressou nos círculos artísticos sem preconceitos. Ela poderia fazer suas próprias escolhas conscientes não terem que arcar com a bagagem de experiência e com o crescimento, porém seria inevitável esse acontecimento. O encontro à Academia de Belas Artes guiou a jovem artista na direção do polonês Colorism, ainda vivo na obra dos professores da Academia, como Juliusz Joniak e Szancenbach Jan, seus professores acadêmicos. Permanente, Anna Kostenko era uma observadora do objetivo da história da arte de Cracóvia e isso é seu processo de desenvolvimento atual. Ela viu o seu carácter particular e poder nas lutas coloristas. Conseqüentemente, ela ligou o início de sua carreira artística com o movimento colorista. Esta não foi, contudo, uma submissão acrítica às influências de seus professores. Em vez disso, a artista buscou seus próprios caminhos na arte. Seu temperamento é muito claro e original, e o talento é muito forte para ela ceder a qualquer forma acrítica. Se seu traço tem semelhanças espirituais com o trabalho de Jan Szancenbach, eles não têm nada a ver com as imitações, mas são os resultados do debate criativo entre os dois artistas que coincídem. Todo o diálogo com o mestre é um pouco como um teste de suas habilidades para se comunicar através da utilização dos meios já estabelecidos e as formas de expressão. Em suas obras podemos perceber tanto uma série de tendências contraditórias ou agudamente conflitantes e as tendências que coexistem pacificamente. Essa heterogeneidade é um sinal de busca do artista por seus próprios métodos artísticos e soluções. É também a prova de que ela não compromete facilmente, apesar de armado com seu talento como ela é, porém poderia. Ela não está satisfeita com uma simples transformação, pelo contrário, ela é provocada a manobra em diferentes direções. Às vezes, ela beira a criatividade dos mestres mais antigos, como Toulouse-Lautrec, Egon Schiele e Gustav KIimt. Anna faz sua arte lembrá-los quando pinta figuras sentadas e nus, mas sempre reprocessa as reminiscências das suas obras em seu caminho próprio de expressão. Os grupos artísticos váriam em tendências na procura de seu próprio estilo em ciclos, sublinhando assim a sua separação e, simultaneamente, tenta manter sua identidade. Ela usa ciclo colorista de naturezas-mortas, pinturas a partir de várias viagens e de nus, caso em que o artista inspira-se olhando o modelo e seu vasto conhecimento de diversas possibilidades de apresentação do modelo na tela. Quando pintou o nu com o nome "O óleo de cabelos grisalhos" (de lona, 70 x 100 cm, 1995), de coloração semelhante a Vuillard, o artista lança o seu interesse no formulário, que parecia sem importância real para ela. O observador pode percebê-la como uma discórdia e se perguntam se um contraste entre um jogo refinado de cores em relação ao inexatidão evidente no estudo anatômico é intencional ou não. Podemos supor que essas imprecisões podem ser justificadas pelo interesse do artista é só no jogo de cores? "O grisalho" tem um efeito perturbador sobre o espectador. Ela provoca questões sobre os limites das possibilidades de apresentação correta da forma da situação quando há cores excelentes para perceber em primeiro lugar. A imagem deixa o espectador um tanto perplexo. A tez lindamente pintado do nu sentado no sofá, que é coberta com um pano em listras vermelhas, contrasta com a rica e decorativos, como Matisse, ou mesmo Klimt, como ao redor. Outra interessante nude "II Indiferente" (tela de óleo, 70 x 80 cm, 1997) mostra uma mulher feia em meias pretas com peitos enormes, provocante em sua disforme, com um rosto que se assemelha a uma máscara Africano das primeiras obras de Picasso, que se encontra em um sofá vermelho. A composição poupadores de grandes planos de cor cria um efeito surpreendente quando o horror se torna decorativa. O artista pinta mulheres freqüentemente feia e parece estar fascinado com a sua feiúra e deformidade. Esta encontrou expressão em pinturas como "Naked I" (tela de óleo, 80 x 70 cm, 1997), imagem, gráficos como com a figura delimitada com um contorno escuro, e "Mulheres a conversar" (tela de óleo, 90 x 80 cm, 1997). Flat formas fronteira com contornos escuros que correspondem à Nabists, são interrompidos bruscamente por vermelho e Fauve-like, moagem spots, que, graças a animar todo o quadro e, para a introdução do vermelho, causam ansiedade. Freqüentemente, formas humanas em pinturas Anna Kostenko parecem estourar livre de quadros. Alguns deles são "degolados" os outros têm as pernas cortadas. Os espectadores se perguntam se isso é devido à imprecisão da composição ou acto consciente e planejada do artista. Deve ser a última possibilidade uma vez que em quase todos os casos em que a composição estourar fora dos quadros são bem-fundada pelos meios empregados artística. A pintura, intitulada "Vazio" (ciclo de Karolina, óleo, tela, 100 x 90 cm) é uma composição harmoniosa e consciente de uma figura nua contra o fundo de uma estante, a estrutura que introduz ordem e divide o trabalho em três partes claras : o primeiro mostra uma cadeira de azul, a mulher nua e um segundo no terceiro uma sombra do modelo é visível. Em "Mimi em meias pretas" (Karolina ciclo, óleo, tela, 70 x 80 cm, 1997), o artista apresenta a figura de um modelo assentado que não se encaixam em quadros. Ainda assim, o modelo parte cortar a cabeça é empurrado para quadros internos de uma maca de uma pintura virado no fundo, o que constitui uma espécie de auréola em torno da cabeça do modelo. A composição "A pintura dela" (óleo, tela 75 x 75 cm, 1997) é muito bonito nu. O corpo de cinza de um modelo sentada em uma cadeira é parcialmente contornada com um contorno preto. Pintando nus do artista manifesta seu interesse em expressionismo alemão, que é particularmente visível em obras como: "Sonho I" (tela de petróleo, de 1995) e "Dream II" (tela de óleo, 100 x 90 cm, 1997), que foram o resultado das viagens do artista para a Alemanha (em 1992 e 1993). O ciclo de pinturas que claramente se destaca é o "ciclo" Africano contendo as reminiscências da Cana ¬ rias onde o artista viajou em fevereiro e março de 1997. Na ilha de La Gomera, ela encontrou a paisagem que a fazia pensar em África, com a qual tinha sido fascinado por um longo tempo. Na ilha, ela ficou impressionada com o clima bastante correspondência as expectativas e as ideias que tinha sobre os países exóticos, culturas estrangeiras, pessoas de pele escura e co ¬ lour composições específicas de roupas, o ritmo da marcha e do movimento. Um dos mais interessante no ciclo é a pintura intitulada "Masai III" (óleo de lona, 60 x 70 cm, 1997), que mostra figuras Negro em vestes brancas. A escuridão das cabeças partidas a brancura das roupas, o cenário ocre e vermelho das roupas das figuras pintadas no fundo. Um retrato de grupo ", intitulada" Masai II "(óleo, tela, 72 x 91 cm, 1997) é igualmente interessante. Uma figura arquétipo da mãe com uma criança apresentou em "Masai V. Eu não vou chegar lá" (tela de óleo, 75 x 75 cm, 1997) e "Masai IV. Family", tela, 80 x 65 cm, 1997 ) são realmente vale a pena pagar a atenção. Outro quadro "Meu cordeiro" (tela de óleo, 80 x 70 cm, 1997), mostrando um menino do Peru, se encaixa bem no ciclo, pois ele foi criado através da utilização de meios semelhantes. As semelhanças estão na forma de tratar a figura do menino como modelo e de defini-lo em um fundo neutro que generaliza a forma concreta. Além disso, a viagem para a Irlanda em Setembro de 1997 produziu pinturas interessantes. Nas paisagens com pastoreio de ovinos, pastagens de montanha vasta fronteira com cadeias de montanhas no horizonte os efeitos interessantes foram obtidos através do uso de manchas de cor que difere da cor local. No entanto, elas transmitem a verdadeira atmosfera de calma a paisagem da Irlanda, por exemplo, "Portugal II" (óleo, tela, 75 x 75 cm, 1997). Como no caso de cada artista, Anna Kostenko sonhou em viajar para a França, especialmente em Paris. Ela foi lá várias vezes (1993,1996,1997). Ela sempre voltava carregado de notas, desenhos e esboços para pinturas futuro. Sua fascinação por Paris, onde cada esquina é tão pitoresco e inspirador que a imaginação do artista pode transformá-la em um motivo pictórico, resultou em um grande ciclo de pinturas que apresentam figuras sentadas em mesas de café, por exemplo, "Os parisienses" (óleo, papelão, 50 x 35 cm, 1997), "Na Sala" (óleo, papelão, 50 x 70 cm, 1997), "Garçon" (óleo, papelão, 50 x 35 cm, 1997) , vistas da cidade, por exemplo, entradas para o art deco "estações do metropolitano de Paris" (óleo, papelão, 50 x 70 cm, 1997) e barcaças no rio Sena. Os desenhos e esboços, óleo sobre papelão e papel de pequenas dimensões, que o artista preparou durante a sua estadia em Paris, depois na Polónia tornou-se as bases para as telas de óleo apresentando grande maioria os pontos de vista de Paris. Por vezes são pintados à maneira dos impressionistas, com relação à iluminação diferentes, dependendo diferentes momentos do dia, por exemplo, "Notre Dame" (óleo, tela, 70 x 80 cm, 1997) ou um ciclo de vista sobre a cidade a partir das margens do Sena, que mostra Paris em violeta e rosa ousado: "Rosa de Paris" (tela de óleo, 70 x 80 cm , 1997), e em laranja: "Paris em Orange" (tela de óleo, 90 x 100 cm, 1997). Essas obras correspondem claramente ao townscapes Paris pelos impressionistas como Pissarro e Sisley e do Fauves como André Derain e Vlaminck. No entanto, eles são muito individual e manifesta abordagem original do artista com o tema, sua grande sensibilidade, da percepção da luz e em constante mutação matizes de cores na parte da realidade, ela observou. Outro grande grupo de telas é formado pelo ciclo de naturezas mortas, tais como: "Legumes em uma mesa" (tela de óleo, 90 x 100 cm, 1997), "Branco e repolho roxo" (óleo tela, 90 x 100 cm , 1996), "Natureza morta com cesta de branco" (tela de óleo, 90 x 100 cm, 1998) e uma composição em versões de cores diversas, ou seja, "Still life no vermelho" (tela de óleo, 90 x 100 cm, 1997) e sua contraparte em laranja. O ponto forte de pinturas Anna Kostenko é a sua coloração. Por outro lado, a composição de alguns temas pode despertar a discussão. Alguns efeitos são muitas vezes arriscadas salvo quando o artista sensível introduz em suas pinturas e pequenos detalhes quase imperceptíveis. Esse elemento aparentemente insignificante mas importante, afetando a harmonia de suas obras, é a assinatura do artista aposta em cores brilhantes, claramente utilizado como meio consciente de expressão artística. A pintura de Anna Kostenko, apesar do fato de que sua pesquisa vai em várias direções, é, sem dúvida, muito longe de avant-garde experiências ou tendências abstratas. O artista representa o movimento realista, embora, este é sim um realismo transformado que não tem medo de deformações ou experiências com as cores. Dela não é um intelectual experimentar art. É a arte de sentir e vivenciar. É manifesta a peneiração de cor através de suas diferentes tonalidades dependendo do estado emocional do artista. As cores do mundo real estão sujeitas a diferentes estados do artista, da percepção ditada por seu humor, cansaço ou hora do dia e, portanto, são vistos de forma diferente. No caso de obras de Anna Kostenko, lidamos com a pintura que está saturado com energia e temperamento dirigidas por sentimentos. Alterando as emoções afetam o resultado nas telas. O artista percebe o mundo através de seu temperamento. Os efeitos de sua percepção artística nos fazer esperar mais. Vamos olhar para a frente e esperar ansiosamente por suas pinturas novas.
12 maio 2010
Anna Kostenko
Anna Kostenko nasceu em 1975 em Kiev, na Ucrânia, radicada em Cracóvia, na Polónia. Ela se formou na Academia de Belas Artes de Cracóvia, onde estudou pintura 1993-1998. Ela fez três exposições de obras de arte em Jorgensen e criou muitas belas pinturas desde o seu lançamento em 1999. Sua fascinação com as diferentes culturas levou a extensas viagens que inspiram seu trabalho, que tem sido demonstrado em vários países, incluindo a Polónia, França, Alemanha, Irlanda e Espanha. Quando Anna Kostenko chegou a Cracóvia em 1991, ingressou nos círculos artísticos sem preconceitos. Ela poderia fazer suas próprias escolhas conscientes não terem que arcar com a bagagem de experiência e com o crescimento, porém seria inevitável esse acontecimento. O encontro à Academia de Belas Artes guiou a jovem artista na direção do polonês Colorism, ainda vivo na obra dos professores da Academia, como Juliusz Joniak e Szancenbach Jan, seus professores acadêmicos. Permanente, Anna Kostenko era uma observadora do objetivo da história da arte de Cracóvia e isso é seu processo de desenvolvimento atual. Ela viu o seu carácter particular e poder nas lutas coloristas. Conseqüentemente, ela ligou o início de sua carreira artística com o movimento colorista. Esta não foi, contudo, uma submissão acrítica às influências de seus professores. Em vez disso, a artista buscou seus próprios caminhos na arte. Seu temperamento é muito claro e original, e o talento é muito forte para ela ceder a qualquer forma acrítica. Se seu traço tem semelhanças espirituais com o trabalho de Jan Szancenbach, eles não têm nada a ver com as imitações, mas são os resultados do debate criativo entre os dois artistas que coincídem. Todo o diálogo com o mestre é um pouco como um teste de suas habilidades para se comunicar através da utilização dos meios já estabelecidos e as formas de expressão. Em suas obras podemos perceber tanto uma série de tendências contraditórias ou agudamente conflitantes e as tendências que coexistem pacificamente. Essa heterogeneidade é um sinal de busca do artista por seus próprios métodos artísticos e soluções. É também a prova de que ela não compromete facilmente, apesar de armado com seu talento como ela é, porém poderia. Ela não está satisfeita com uma simples transformação, pelo contrário, ela é provocada a manobra em diferentes direções. Às vezes, ela beira a criatividade dos mestres mais antigos, como Toulouse-Lautrec, Egon Schiele e Gustav KIimt. Anna faz sua arte lembrá-los quando pinta figuras sentadas e nus, mas sempre reprocessa as reminiscências das suas obras em seu caminho próprio de expressão. Os grupos artísticos váriam em tendências na procura de seu próprio estilo em ciclos, sublinhando assim a sua separação e, simultaneamente, tenta manter sua identidade. Ela usa ciclo colorista de naturezas-mortas, pinturas a partir de várias viagens e de nus, caso em que o artista inspira-se olhando o modelo e seu vasto conhecimento de diversas possibilidades de apresentação do modelo na tela. Quando pintou o nu com o nome "O óleo de cabelos grisalhos" (de lona, 70 x 100 cm, 1995), de coloração semelhante a Vuillard, o artista lança o seu interesse no formulário, que parecia sem importância real para ela. O observador pode percebê-la como uma discórdia e se perguntam se um contraste entre um jogo refinado de cores em relação ao inexatidão evidente no estudo anatômico é intencional ou não. Podemos supor que essas imprecisões podem ser justificadas pelo interesse do artista é só no jogo de cores? "O grisalho" tem um efeito perturbador sobre o espectador. Ela provoca questões sobre os limites das possibilidades de apresentação correta da forma da situação quando há cores excelentes para perceber em primeiro lugar. A imagem deixa o espectador um tanto perplexo. A tez lindamente pintado do nu sentado no sofá, que é coberta com um pano em listras vermelhas, contrasta com a rica e decorativos, como Matisse, ou mesmo Klimt, como ao redor. Outra interessante nude "II Indiferente" (tela de óleo, 70 x 80 cm, 1997) mostra uma mulher feia em meias pretas com peitos enormes, provocante em sua disforme, com um rosto que se assemelha a uma máscara Africano das primeiras obras de Picasso, que se encontra em um sofá vermelho. A composição poupadores de grandes planos de cor cria um efeito surpreendente quando o horror se torna decorativa. O artista pinta mulheres freqüentemente feia e parece estar fascinado com a sua feiúra e deformidade. Esta encontrou expressão em pinturas como "Naked I" (tela de óleo, 80 x 70 cm, 1997), imagem, gráficos como com a figura delimitada com um contorno escuro, e "Mulheres a conversar" (tela de óleo, 90 x 80 cm, 1997). Flat formas fronteira com contornos escuros que correspondem à Nabists, são interrompidos bruscamente por vermelho e Fauve-like, moagem spots, que, graças a animar todo o quadro e, para a introdução do vermelho, causam ansiedade. Freqüentemente, formas humanas em pinturas Anna Kostenko parecem estourar livre de quadros. Alguns deles são "degolados" os outros têm as pernas cortadas. Os espectadores se perguntam se isso é devido à imprecisão da composição ou acto consciente e planejada do artista. Deve ser a última possibilidade uma vez que em quase todos os casos em que a composição estourar fora dos quadros são bem-fundada pelos meios empregados artística. A pintura, intitulada "Vazio" (ciclo de Karolina, óleo, tela, 100 x 90 cm) é uma composição harmoniosa e consciente de uma figura nua contra o fundo de uma estante, a estrutura que introduz ordem e divide o trabalho em três partes claras : o primeiro mostra uma cadeira de azul, a mulher nua e um segundo no terceiro uma sombra do modelo é visível. Em "Mimi em meias pretas" (Karolina ciclo, óleo, tela, 70 x 80 cm, 1997), o artista apresenta a figura de um modelo assentado que não se encaixam em quadros. Ainda assim, o modelo parte cortar a cabeça é empurrado para quadros internos de uma maca de uma pintura virado no fundo, o que constitui uma espécie de auréola em torno da cabeça do modelo. A composição "A pintura dela" (óleo, tela 75 x 75 cm, 1997) é muito bonito nu. O corpo de cinza de um modelo sentada em uma cadeira é parcialmente contornada com um contorno preto. Pintando nus do artista manifesta seu interesse em expressionismo alemão, que é particularmente visível em obras como: "Sonho I" (tela de petróleo, de 1995) e "Dream II" (tela de óleo, 100 x 90 cm, 1997), que foram o resultado das viagens do artista para a Alemanha (em 1992 e 1993). O ciclo de pinturas que claramente se destaca é o "ciclo" Africano contendo as reminiscências da Cana ¬ rias onde o artista viajou em fevereiro e março de 1997. Na ilha de La Gomera, ela encontrou a paisagem que a fazia pensar em África, com a qual tinha sido fascinado por um longo tempo. Na ilha, ela ficou impressionada com o clima bastante correspondência as expectativas e as ideias que tinha sobre os países exóticos, culturas estrangeiras, pessoas de pele escura e co ¬ lour composições específicas de roupas, o ritmo da marcha e do movimento. Um dos mais interessante no ciclo é a pintura intitulada "Masai III" (óleo de lona, 60 x 70 cm, 1997), que mostra figuras Negro em vestes brancas. A escuridão das cabeças partidas a brancura das roupas, o cenário ocre e vermelho das roupas das figuras pintadas no fundo. Um retrato de grupo ", intitulada" Masai II "(óleo, tela, 72 x 91 cm, 1997) é igualmente interessante. Uma figura arquétipo da mãe com uma criança apresentou em "Masai V. Eu não vou chegar lá" (tela de óleo, 75 x 75 cm, 1997) e "Masai IV. Family", tela, 80 x 65 cm, 1997 ) são realmente vale a pena pagar a atenção. Outro quadro "Meu cordeiro" (tela de óleo, 80 x 70 cm, 1997), mostrando um menino do Peru, se encaixa bem no ciclo, pois ele foi criado através da utilização de meios semelhantes. As semelhanças estão na forma de tratar a figura do menino como modelo e de defini-lo em um fundo neutro que generaliza a forma concreta. Além disso, a viagem para a Irlanda em Setembro de 1997 produziu pinturas interessantes. Nas paisagens com pastoreio de ovinos, pastagens de montanha vasta fronteira com cadeias de montanhas no horizonte os efeitos interessantes foram obtidos através do uso de manchas de cor que difere da cor local. No entanto, elas transmitem a verdadeira atmosfera de calma a paisagem da Irlanda, por exemplo, "Portugal II" (óleo, tela, 75 x 75 cm, 1997). Como no caso de cada artista, Anna Kostenko sonhou em viajar para a França, especialmente em Paris. Ela foi lá várias vezes (1993,1996,1997). Ela sempre voltava carregado de notas, desenhos e esboços para pinturas futuro. Sua fascinação por Paris, onde cada esquina é tão pitoresco e inspirador que a imaginação do artista pode transformá-la em um motivo pictórico, resultou em um grande ciclo de pinturas que apresentam figuras sentadas em mesas de café, por exemplo, "Os parisienses" (óleo, papelão, 50 x 35 cm, 1997), "Na Sala" (óleo, papelão, 50 x 70 cm, 1997), "Garçon" (óleo, papelão, 50 x 35 cm, 1997) , vistas da cidade, por exemplo, entradas para o art deco "estações do metropolitano de Paris" (óleo, papelão, 50 x 70 cm, 1997) e barcaças no rio Sena. Os desenhos e esboços, óleo sobre papelão e papel de pequenas dimensões, que o artista preparou durante a sua estadia em Paris, depois na Polónia tornou-se as bases para as telas de óleo apresentando grande maioria os pontos de vista de Paris. Por vezes são pintados à maneira dos impressionistas, com relação à iluminação diferentes, dependendo diferentes momentos do dia, por exemplo, "Notre Dame" (óleo, tela, 70 x 80 cm, 1997) ou um ciclo de vista sobre a cidade a partir das margens do Sena, que mostra Paris em violeta e rosa ousado: "Rosa de Paris" (tela de óleo, 70 x 80 cm , 1997), e em laranja: "Paris em Orange" (tela de óleo, 90 x 100 cm, 1997). Essas obras correspondem claramente ao townscapes Paris pelos impressionistas como Pissarro e Sisley e do Fauves como André Derain e Vlaminck. No entanto, eles são muito individual e manifesta abordagem original do artista com o tema, sua grande sensibilidade, da percepção da luz e em constante mutação matizes de cores na parte da realidade, ela observou. Outro grande grupo de telas é formado pelo ciclo de naturezas mortas, tais como: "Legumes em uma mesa" (tela de óleo, 90 x 100 cm, 1997), "Branco e repolho roxo" (óleo tela, 90 x 100 cm , 1996), "Natureza morta com cesta de branco" (tela de óleo, 90 x 100 cm, 1998) e uma composição em versões de cores diversas, ou seja, "Still life no vermelho" (tela de óleo, 90 x 100 cm, 1997) e sua contraparte em laranja. O ponto forte de pinturas Anna Kostenko é a sua coloração. Por outro lado, a composição de alguns temas pode despertar a discussão. Alguns efeitos são muitas vezes arriscadas salvo quando o artista sensível introduz em suas pinturas e pequenos detalhes quase imperceptíveis. Esse elemento aparentemente insignificante mas importante, afetando a harmonia de suas obras, é a assinatura do artista aposta em cores brilhantes, claramente utilizado como meio consciente de expressão artística. A pintura de Anna Kostenko, apesar do fato de que sua pesquisa vai em várias direções, é, sem dúvida, muito longe de avant-garde experiências ou tendências abstratas. O artista representa o movimento realista, embora, este é sim um realismo transformado que não tem medo de deformações ou experiências com as cores. Dela não é um intelectual experimentar art. É a arte de sentir e vivenciar. É manifesta a peneiração de cor através de suas diferentes tonalidades dependendo do estado emocional do artista. As cores do mundo real estão sujeitas a diferentes estados do artista, da percepção ditada por seu humor, cansaço ou hora do dia e, portanto, são vistos de forma diferente. No caso de obras de Anna Kostenko, lidamos com a pintura que está saturado com energia e temperamento dirigidas por sentimentos. Alterando as emoções afetam o resultado nas telas. O artista percebe o mundo através de seu temperamento. Os efeitos de sua percepção artística nos fazer esperar mais. Vamos olhar para a frente e esperar ansiosamente por suas pinturas novas.
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